前沿拓展:中世纪西方服装图片女性
约翰·埃弗雷特·米莱1829年出身于南安普顿的一个富裕家庭,他在很小的时候就展露出了极高的艺术天赋。
米莱画像
米莱在9岁时去到伦敦就读萨斯艺术学校,并且在皇家艺术协会中获得了银奖。在11岁时,米莱成为英国皇家学院史上小的学生。
但丁·加百列·罗塞蒂作品
在皇家学院就读期间,米莱与同学但丁·加百列·罗塞蒂和威廉·霍尔曼·亨特建立了很深的友情。
威廉·霍尔曼·亨特作品
1848年,这三名艺术家协力成立了拉斐尔前派兄弟会,共同反对学院派绘画中要求使用棕色底色来绘画和把对象过于理想化的狭隘创作方式。正如他们为这个协会起的名字一样:PRB,即拉斐尔前派兄弟会的缩写。
约翰·埃弗雷特·米莱作品
他们立志于忠实自然并发掘色彩中的光感,1863年,米莱成为皇家学院的成员并于1896年担任院长。
其他拉斐尔前派画家作品
在19世纪50年代,米莱的创作逐渐脱离了拉斐尔前派风格并引发出一种新的写实方式,他也成为当时富裕的画家之一。
《普罗塞尔皮娜》
而但丁·加百列·罗塞蒂在拉斐尔前派兄弟会解散后,仍然使用着与之前同样的艺术风格。《普罗塞尔皮娜》这幅作品描绘的是罗马神话中的人物普罗塞尔皮娜。
画面中这个人物的模特是威廉·莫里斯的妻子简·莫里斯,她是罗塞蒂的情人。神话中普罗塞尔皮娜被引诱到了冥府,原因是吃了6颗石榴籽而被判一年中有6个月要待在冥府。
在1851年夏天,米莱开始创作《奥菲莉亚》,这幅画现收藏于英国伦敦的泰特美术馆。
画中的人物是威廉·莎士比亚的戏剧《哈姆雷特》中的女主人公。他在接下去的一年完成了这幅作品并在皇家学院展出。这幅作品中囊括了前拉斐尔派表现真实自然和描述诗意的宗旨。
这幅作品描绘的是奥菲莉亚的爱人哈姆雷特谋杀了她的父亲后,她陷入疯癫的状态时的场景。
《奥菲莉亚》
人物的模特是罗塞蒂的未婚妻莉奇·席德尔,画中的人物有着红色的头发和雪白的肌肤,她顺着溪流漂浮在水上并在被淹死前轻声低唱着。在她面颊旁头发上别着的粉色玫瑰暗指的是她哥哥雷欧提斯为她起的小名“五月的玫瑰”,她脖子上戴着的紫罗兰项链则象征着贞洁。
米莱1851年7月去到了尤厄尔的霍斯米尔河边以写生的方式描绘画面的背景。整个过程耗时5个月,米莱一周工作6天,并且每天至少画11个小时,他在作画时使用的是一个很小的三脚画架。
到了11月,当地的天气开始经常刮风和下雪,米莱就搭建了一个临时小屋,用稻草覆盖在四个围栏上并在屋里继续作画。
在米莱完成了背景的部分后,他开始描绘奥菲莉亚。他在伦敦的工作室中耗时4个月完成了人物错综复杂的裙子。
在这4个月中,模特莉奇身着一条重的裙子躺在一个装满水的浴缸中,并且浴缸的下面还放了几盏油灯来为她加热取暖。在其中一段时间中,米莱由于太过专注没有注意到油灯熄灭了,莉奇也因此受寒生病,她的父亲还专门写信给米莱让他垫付女儿的医药费。
在《哈姆雷特》中,奥菲莉亚是因为采花而失足落入河中的。米莱通过描绘花朵以表达某些象征意义。
《奥菲莉亚》局部
其实这些花朵中有很多的花期都不相同,但是米莱从植物学的角度对每一种花的特征都进行了研究并在画面中仔细刻画了出来。
雏菊与被抛弃的爱、痛苦和天真相关,三色董象征着徒劳的爱,罂粟花是死亡和睡眠的象征,勿忘我暗示着回忆。
在画面左侧离人物很远的位置上有一只知更鸟站在柳枝上,由于它胸前的红色羽毛使它在画面中显得醒目。
柳树代表的含义是被抛弃的爱,在它四周缠绕的荨麻是痛苦的象征。在为画面增添一点亮色的同时,这只知更鸟可能也代表着奥菲莉亚失去心智时吟唱的一句歌词:“可爱甜美的知更鸟是我所有的快乐。”
画面中这些紫色的金钱草暗指的是莎士比亚在作品中提到过的“长颈兰”但事实上他真正想写的是紫兰花,因为长颈兰这种植物并不存在,在金钱草左侧的绣线菊花朵代表奥菲莉亚无意义的死亡。
在当时,艺术家刚开始能够在市场购买到管装的成品颜料,米莱就在这幅画中就使用了钴蓝、普鲁士蓝、群青和翡翠绿的管装颜料。
在这幅画中米莱使用前拉斐尔派技法中的一种,即用白色颜料覆盖画布,然后用小笔刷和亮色进行描绘,并且他在这层白底色还没干时就开始作画。
约翰·埃弗雷特·米莱作品
这种技法类似于画湿壁画,即每天开始绘画前在画面上涂新的白颜料这道工序。通过使用这样的技法,米莱用透明的薄罩染层次来强化了光照在整个场景中的果。
米莱对于许多画家的创作是有着巨大影响的。约翰·威廉·沃特豪斯在拉斐尔前派兄弟会成员停止一起活动的许多年后,还在继续使用该协会的风格进行创作,他后来也被称为“现代前拉斐尔派”。
《夏洛特夫人》
在他创作的《夏洛特夫人》这幅画中描绘的是中世纪亚瑟王的传说《夏洛特夫人》中的一个场景。
画面中船头上的三支蜡烛中有两支已经被风熄灭,这暗示着画中女子的旅程和生命都即将到达尽头。作品中所描绘的女人美丽却不幸,背后的深色树林、船底的植物和河水这些元素都是对米莱作品的仿。
约翰·埃弗雷特·米莱作品
除了沃特豪斯,米莱的绘画风格还影响了许多画家,例如约翰·辛格,萨金特和梵·高。
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洛可可时装。
洛可可时装跟样式主义和西班牙时装的那种几何形状的严谨相反,深受生气勃勃的生命意识影响,这是与建筑和造型艺术的情况相同的。轮状细褶皱领过去曾跟平展的或者衬垫的衣领形成鲜明的对比,而现在不经僵硬地垂下来,后来又干脆让平披在肩上的花边领取代了。
帽子都有宽边,可以按各人的气质制成宽式、高式或斜式,头发自由散披。如果缺少天生的头发,可以用假发。自路易八世起,特别是在法国,假发成了给人印象深的特征。那种长假发在头顶部位蓬松鬈曲,然后分为两翼垂至肩上和胸前。
男装仍继续采用那种下摆宽松的上衣,也可以紧贴腰身缝制。衣袖为花边袖口,或者是只有胳臂四分之三那么长的短袖,露出里面的镶了花边的衬衫。裤子呈袋状宽松地垂至长袜处,在那儿用玫瑰花饰带子系起来。
扩展资料
洛可可(rococo)原意为建筑装饰中以贝壳、石块等建造的岩状砌石。
反应了法国路易十五时代宫廷贵族的悠闲、慵懒的生活趣味,它以欧洲封建贵族文化的衰败为背景,表现了落寞贵族阶层颓废、浮华的审美理想和思想情绪。他们受不了古典主义的严肃理性和巴洛克的喧嚣放肆,追求华美和闲适。
洛可可艺术特点:受到当时输入欧洲的瓷器、漆器、屏风、园林、织锦、地毯等东方艺术的影响,构图不对称,装饰繁琐,常常采用部队称手法,喜欢用弧线,C形、S形和漩涡形作造型。
洛可可风格绘画大多描绘衣着绫罗绸缎的红粉贵人,人物形象纤巧、娇艳、飘逸而富贵,流露出浮夸的脂粉气。其中代表性的画家有华托、布歇等。
参考资料来源:百度百科-洛可可艺术
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洛可可艺术(Rococo art)是法国十八世纪的艺术样式,发端於路易十四(1643~1715)时代晚期,流行於路易十五(1715~1774)时代,风格纤巧、精美、浮华、繁琐,又称「路易十五式」。十八世纪被看成是「理性的时代」或「启蒙运动」的时代,哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作,转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象,几乎将神学从哲学中剔除,选择倾向世俗的路线,趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格,在音乐家莫札特、海顿,文学家蒲伯、艾狄生、福尔泰,画家华铎、康斯博罗中,贯穿著一种共同主题,路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会,藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们,再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境,有利搞风流韵事,以便消耗贵族们的精力,使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景,其的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。洛可可是相对於路易十四时代那种盛大洛可可艺术主要是指在法王路易十五时代(1715 年以后)的一种室内装饰风格:常使用C 形、S 形曲线或漩涡状花纹是其特色。洛可可艺术的另一个特色是甜美轻快、精巧华丽,而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。构图非对称法则,而是带有轻快、优雅的运动感、色泽柔和,粉彩色系被大量运用、崇尚自然。 ??? 画家Jean Antoin Wotteau(1684-1721A.D.)忠实纪录当时服装的样貌,女性服装内穿束身马甲,裙撑架再度兴起,此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称,外穿衬裙,另外有一件类似披风的外套,称为Wotteau Dress,衬裙外露,领口成一个大的U字型,这种风格源自1715年法国路易十四过世之后,所产生的一种艺术上的反叛。与巴洛克艺术风格显著的差别就是,洛可可艺术更趋向一种精制、优雅,具装饰性的特色。另外,低胸的款式也是洛可可的强烈风格之一,在当时,曾经被人们看作是性感的服装。 Rococo时期的代表人物为路易十五的宠妃—MMe. de Pompadeur。 ?早在1550年,男士和女士身上的褶裥饰边是其代表在社会上的地位的象征.褶裥饰边在地下阶层的衣着上是不会出现的.只会出现在皇室人员,贵族和有特殊身份地位的人的身上.例如音乐家等.当时衣服上的褶裥饰边的多与少,亦代表了社会上的等级制度,以及女人身上的魅力指数.例如:Queen Elizabeth领子上的褶裥饰边,由胸前伸展到头发后形成孔雀开屏式的华丽,把她的褶裥饰边打开来看会式一代绵延的花边布条,其地位可想而知.许多贵族头上的褶皱多的阻碍了他们进食,要用也别设计的长汤匙才能顺利的喝汤,所以褶裥饰边也代表了. ? ----------------蕾丝 ????? 蕾丝,是18世纪洛可可风格的宫廷女装和沙龙女装中的典型装饰,是当时的时装中必不可少的要素。它曾经出现在蓬皮杜夫人长裙的V型领口和袖口。艺术上的洛可可时代,是一个女性的时代,弥漫着一种柔性文化的因素。当时的社会有两个中心,一个是以皇帝为中心的宫廷,另一个是以贵妇为中心的沙龙。沙龙实际上就是当时的时装天桥。????? 洛可可服装的主要特点是精致到极点的优雅。所谓“极点”,就是妇女将自己服装的每一个细节都精致化,以便男性观赏。换句话说,人体的每一个部位都分解成可供观赏的元素。那是一个肉体享乐的时代(与我国的明末时期有点类似),有品味的女性穿着是“既暴露又优雅”。蕾丝,充当了优雅风格的点缀,出现在袒露的胸口和手臂等处。于是,越是禁止暴露的地方越暴露,有暴露的地方就有蕾丝。蕾丝实际上起到了一种“犹抱琵琶半遮面”的勾引作用,那时候称为“媚”,与洛可可艺术风格的“媚”相配套。 ??? ?洛可可蕾丝,试图以古典主义的优雅形式,来表达色情和肉欲的享乐欲望,使之适应高雅沙龙的氛围。这是君主专制时代,宫廷里那些游手好闲之徒和伪淑女的一个合谋。在欧洲时装文化史中,洛可可风格,将色情的艺术化推到了,蕾丝就是一个主要合作伙伴。它因此为平民社会的女性所不齿
洛可可艺术(Rococo art)是法国十八世纪的艺术样式,发端於路易十四(1643~1715)时代晚期,流行於路易十五(1715~1774)时代,风格纤巧、精美、浮华、繁琐,又称「路易十五式」。十八世纪被看成是「理性的时代」或「启蒙运动」的时代,哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作,转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象,几乎将神学从哲学中剔除,选择倾向世俗的路线,趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格,在音乐家莫札特、海顿,文学家蒲伯、艾狄生、福尔泰,画家华铎、康斯博罗中,贯穿著一种共同主题,路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会,藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们,再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境,有利搞风流韵事,以便消耗贵族们的精力,使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景,其的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。洛可可是相对於路易十四时代那种盛大洛可可艺术主要是指在法王路易十五时代(1715 年以后)的一种室内装饰风格:常使用C 形、S 形曲线或漩涡状花纹是其特色。洛可可艺术的另一个特色是甜美轻快、精巧华丽,而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。构图非对称法则,而是带有轻快、优雅的运动感、色泽柔和,粉彩色系被大量运用、崇尚自然。 ??? 画家Jean Antoin Wotteau(1684-1721A.D.)忠实纪录当时服装的样貌,女性服装内穿束身马甲,裙撑架再度兴起,此时裙撑架的形式为前后扁平、左右对称,外穿衬裙,另外有一件类似披风的外套,称为Wotteau Dress,衬裙外露,领口成一个大的U字型,这种风格源自1715年法国路易十四过世之后,所产生的一种艺术上的反叛。与巴洛克艺术风格显著的差别就是,洛可可艺术更趋向一种精制、优雅,具装饰性的特色。另外,低胸的款式也是洛可可的强烈风格之一,在当时,曾经被人们看作是性感的服装。 Rococo时期的代表人物为路易十五的宠妃—MMe. de Pompadeur。 ?早在1550年,男士和女士身上的褶裥饰边是其代表在社会上的地位的象征.褶裥饰边在地下阶层的衣着上是不会出现的.只会出现在皇室人员,贵族和有特殊身份地位的人的身上.例如音乐家等.当时衣服上的褶裥饰边的多与少,亦代表了社会上的等级制度,以及女人身上的魅力指数.例如:Queen Elizabeth领子上的褶裥饰边,由胸前伸展到头发后形成孔雀开屏式的华丽,把她的褶裥饰边打开来看会式一代绵延的花边布条,其地位可想而知.许多贵族头上的褶皱多的阻碍了他们进食,要用也别设计的长汤匙才能顺利的喝汤,所以褶裥饰边也代表了. ? ----------------蕾丝 ????? 蕾丝,是18世纪洛可可风格的宫廷女装和沙龙女装中的典型装饰,是当时的时装中必不可少的要素。它曾经出现在蓬皮杜夫人长裙的V型领口和袖口。艺术上的洛可可时代,是一个女性的时代,弥漫着一种柔性文化的因素。当时的社会有两个中心,一个是以皇帝为中心的宫廷,另一个是以贵妇为中心的沙龙。沙龙实际上就是当时的时装天桥。????? 洛可可服装的主要特点是精致到极点的优雅。所谓“极点”,就是妇女将自己服装的每一个细节都精致化,以便男性观赏。换句话说,人体的每一个部位都分解成可供观赏的元素。那是一个肉体享乐的时代(与我国的明末时期有点类似),有品味的女性穿着是“既暴露又优雅”。蕾丝,充当了优雅风格的点缀,出现在袒露的胸口和手臂等处。于是,越是禁止暴露的地方越暴露,有暴露的地方就有蕾丝。蕾丝实际上起到了一种“犹抱琵琶半遮面”的勾引作用,那时候称为“媚”,与洛可可艺术风格的“媚”相配套。 ??? ?洛可可蕾丝,试图以古典主义的优雅形式,来表达色情和肉欲的享乐欲望,使之适应高雅沙龙的氛围。这是君主专制时代,宫廷里那些游手好闲之徒和伪淑女的一个合谋。在欧洲时装文化史中,洛可可风格,将色情的艺术化推到了,蕾丝就是一个主要合作伙伴。它因此为平民社会的女性所不齿
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洛丽塔风